La Puerta del Paraíso.
(Porta del Paradiso, en italiano) es el nombre con el que se conoce popularmente a la puerta este del Baptisterio de Florencia. Se encuentra ubicada frente a la catedral de Santa María del Fiore. Es obra del escultor y orfebre italiano Lorenzo Ghiberti, quien la comenzó en 1425 y la finalizó en 1452. La basílica catedral metropolitana de Santa Maria del Fiore, o catedral de Santa María de la Flor (en italiano, Cattedrale di Santa Maria del Fiore), es la sede episcopal (en italiano duomo) de la archidiócesis de Florencia, Italia. Es una de las obras maestras del arte gótico y del primer Renacimiento italiano. |
La puerta al Infierno.
(en francés La Porte de l'Enfer) es un grupo escultórico monumental creado por el artista francés Auguste Rodin, con la colaboración de la escultora francesa Camille Claudel, entre 1880 y 1917. La obra está compuesta por distintas figuras inspiradas principalmente en la Comedia de Dante Alighieri, Las flores del mal de Charles Baudelaire y por el libro Metamorfosis del poeta latino Ovidio. |
Las Puertas del Infierno Rodin Las Puertas del Infierno es un conjunto escultórico realizado por el escultor francés Auguste Rodin (1840-1917) tras recibir el encargo en 1880. Las monumentales puertas en un principio estaban destinadas para la entrada del futuro Museo de Artes Decorativas en París, sin embargo este proyecto nunca llegó a realizarse y en su lugar se construye la estación y el hotel de D´Orsay. La guerra y posteriormente la muerte del artista impidió nuevamente la culminación del proyecto. Finalmente J.E. Matsbaum encargará los dos primeros bronces, uno para el Museo Rodin de Filadelfia y el otro para el Museo Rodin de París. Rodin trabajó durante más de veinte años (hasta 1900) para componer su proyecto: las jambas debían esculpirse en mármol mientras que las puertas y las tres figuras superiores, se harían de bronce y se dorarían. Parece aceptada la idea de que el escultor francés se inspiró en las Puertas del Paraíso de Ghiberti para la realización de esta obra, no obstante Rodin huye de la compartimentación y regularidad del artista renacentista configurando un espacio continuado en el que figuras, espacios y tiempos se funden. La iconografía de la obra nos remite a La Divina Comedia de Dante o a los poemas de Baudelaire. Más de 180 pequeñas figuras desnudas se agitan surgiendo de un fondo rocoso y de nubes. La humanidad sufriendo o gozando tras el pecado de Adán y Eva. En la parte superior, las tres figuras se corresponden con distintas visiones de una escultura de bulto redondo de Adán que se enlazan a través de la mano izquierda señalando la figura del pensador que está bajo ellos. Las tres figuras superiores representan la victoria de Muerte mientras que el Pensador, parece reflexionar sobre el destino de la humanidad.
Biografía de Auguste Rodin (París, 1840 - Meudon, Francia, 1917) Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo profesional con su dedicación a la escultura. Su primera obra, El hombre de la nariz rota, tuvo muy malas críticas en el Salón de 1864, hasta el punto de ser rechazada por considerarse inacabada e incompleta. Rodin incorporaba en esta escultura el modelado espontáneo y expresivo que habría de caracterizar toda su obra posterior. Tras unos años al servicio del empresario Albert Carrier-Belleuse, para quien trabajó en la decoración de la fachada de la Bolsa de Bruselas, en 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel.
El resultado de su contacto con el genio del Renacimiento fue La edad del bronce, presentada en el Salón de 1877, que desagradó profundamente por su extraordinario realismo. La figura muestra una época de dolor y sufrimiento y refleja la influencia del David de Donatello y del Esclavo moribundo de Miguel Ángel, obras que Rodin pudo apreciar su viaje a Italia. La edad de bronce despertó una encendida polémica por su acentuado naturalismo, que hizo pensar a algunos críticos que se trataba del vaciado de un modelo vivo. En esta obra se inicia la importancia del gesto en la obra de Rodin, que comenzaba aquí a perfilarse de forma discreta y crecería luego en firmeza y expresividad.
Rodin seguía sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando presentó en el Salón su San Juan Bautista predicando. Poco antes, en 1880, recibió el gran encargo de su vida: las puertas monumentales del futuro Museo de Artes Decorativas de París. El portal estaba inspirado en temas dantescos, de ahí que el propio Rodin le diera el nombre de Puerta del Infierno, en la que trabajó desde 1880 hasta su muerte en 1917. Rodin se inspiró en la Divina Comedia de Dante y en la Puerta del Paraíso de Lorenzo Ghiberti, por el que el escultor sentía una gran admiración. Sin embargo, el edificio para el que estaba destinada nunca llegó a construirse. A pesar de ello, los numerosos motivos y figuras en los que trabajó el artista para esta obra marcarían las directrices de la mayor parte de sus esculturas más famosas, como El pensador (1880) o La bella esposa del fabricante de cascos (1880-1883), que posteriormente se expondría con el nombre de La vieja cortesana y que surgió de un pequeño fragmento de la parte inferior de las puertas. La obra trata el tema, tan cultivado en el Barroco, de la perecedera y efímera belleza física. La mujer, con la mano abierta y extendida hacia atrás, busca desesperadamente lo que ya perdió para siempre. Otra obra que deriva también del diseño de las puertas es El beso (1886), inspirada, en un principio, en el idilio entre Paolo Malatesta y Francesca de Rímini que Dante relató en la Divina Comedia, aunque esta idea fuera finalmente rechazada y se excluyó toda referencia a circunstancias concretas. El autor representa a los amantes besándose en un conjunto escultórico en donde premeditadamente no se marca con claridad el límite de las figuras con el fondo que las acompaña; suaviza las gradaciones y crea la impresión de que todo está envuelto en un ambiente etéreo en el que prevalece la belleza y la poesía. Como obra independiente, se ha convertido en símbolo universal del deseo y la pasión. Cuando todavía trabajaba en los modelos de las puertas, Rodin aceptó el encargo de levantar el monumento de Los burgueses de Calais (1884-1888), una obra de dramatismo contenido. A pesar de recibir, tras la exposición de 1889, el apoyo de la crítica de vanguardia y de que su fama era ya notable a fines de siglo, vivió siempre envuelto en grandes polémicas en torno a su obra. Los burgueses de Calais fue mal vista por los concejales que la habían encargado, sintiéndose defraudados por un monumento que no cumplía sus expectativas de exaltación patriótica. El artista nos muestra seis reacciones complejas ante la tragedia, enfrentando el drama de los personajes con el espectador; aunque en esta ocasión los personajes no mantienen un contacto físico entre sí, la disposición de las figuras, que parecen entrelazadas, ofrece una dimensión poco corriente del espacio interpuesto. Fueron éstos sus años de máxima creatividad, con obras que han llevado a considerarlo el principal escultor impresionista, junto con el italiano Medardo Rosso, por sus estudios texturales y lumínicos. Con posterioridad, siguió creando obras de inspiración personal, pero se centró en los retratos y en la realización de monumentos públicos, tales como los dedicados a Victor Hugo y a Honoré de Balzac, no siempre exentos de polémicas. Es el caso de Balzac (1891-1898), obra que le encargó Émile Zola, presidente de la Sociedad de Hombres de Letras, cuyos miembros consideraron después que estaba inacabada; de hecho, el retrato de Rodin fue rechazado y se pasó el encargo a Falguière. Rodin representó a un Balzac replegado en sí mismo, erguido y orgulloso. La cabeza altiva, inclinada hacia atrás, destaca sobre la túnica intemporal (el hábito de monje que solía utilizar en sus sesiones nocturnas de trabajo), que otorga un aire espectral a la figura. La audacia y el énfasis en la expresión, así como su capacidad de innovación, asentarían el prestigio del escultor. Es difícil hallar una visión tan descarnada y libre de prejuicios del cuerpo de una mujer como la que ofrece Iris, la mensajera de los dioses (1890). La cabeza fue arrancada y aprovechada en otra escultura, centrando así la atención en el movimiento de la bailarina y en su sexo. En 1900, una gran exposición de su obra en el Salón de la Sociedad Nacional consagró la fama del escultor. La serie de retratos se enriqueció en los últimos tiempos con las cabezas de Bernard Shaw (1906), la Duquesa de Choiseul (1908), Gustavo Mahler (1909) y los bustos de Clemenceau (1911) y Benedicto XV (1915). Entregado a su actividad hasta el fin de sus días, Rodin falleció casi al mismo tiempo que su esposa, fiel compañera suya durante más de cincuenta años. En 1911 Paul Gsell había reunido en un tomo de conversaciones con el maestro sus ideas artísticas. Por otra parte el escultor ya había escrito y publicado un volumen titulado Les cathédrales de France. Indudablemente no puede considerarse el arte de Rodin al margen del arte de Edgar Degas. Ambos supieron persistir en el realismo otorgándole una nueva dimensión escultórica, en un intento por descubrir nuevas posibilidades en la estructura de la figura. La obra madura del escultor está, evidentemente, vinculada a los principios fundamentales del impresionismo, pues ambos tienden a representar el poder de los elementos naturales. Tanto los impresionistas como el propio escultor emplearon la luz en sus obras. Las alusiones literarias, así como el desacuerdo y la despreocupación en el arte de Rodin están también relacionados con el impresionismo. Su obra marca la cima del movimiento romántico y abarca toda la gama de posibilidades plásticas, desde la espontaneidad de los movimientos hasta el patetismo heroico. Rodin evidenció la creación de la forma partiendo del caos como proceso dramático prometeico, influencia que recibió de Medardo Rosso. La obra de Rodin fue el inicio y el final de la escultura impresionista, pero sobre todo marcó un principio escultórico y revolucionario que ejercería una influencia determinante en los escultores posteriores y en numerosos artistas modernos.
La influencia miguelangelesca en Rodin se hace patente en las figuras de los condenados que ascienden y caen en un movimiento en espiral igual que en el Juicio Final; en la figura del Pensador vemos ese ethos (estatismo emocional delas figuras) que Miguel Ángel reflejaba en su David o el non finito de la Madonna Rondanini que ha llevado a calificar la obra de Rodin como impresionista. El modelado es digno de mención; en los desnudos observamos gran energía y fuerza expresiva Rodin pone de manifiesto su maestría en los acabados más pulidos como en aquellos rugosos y de aspecto inacabado. Esta técnica, de carácter impresionista, permite efectos lumínicos gracias a la multiplicación de planos, y es utilizada por el escultor para reforzar el colosalismo y fuerza de las figuras. El relieve se trabaja en diferentes planos que van desde bajorrelieve que simulan las llamas y parecen simples irregularidad del modelado del bronce, hasta figuras que, casi completamente de bulto redondo, escapan del marco invadiendo el espacio del espectador. Rodin rompe con el clasicismo y realismo imperante en la escultura. Las cualidades anatómicas de sus figuras se exageran buscando mayor expresividad y convirtiéndolo en precursor del Expresionismo, la carga dramática que contienen cada una de sus figuras lo hace enlazar con el Romanticismo, a la vez que la carga simbólica de la obra nos permite clasificarla como simbolista. Para responder al deseo de los coleccionistas Rodin convertirá las figuras más famosas: El Pensador, La eterna primavera, El beso… en esculturas independientes.
De esta puerta surgieron las siguientes esculturas que originalmente tendrían un lugar dentro de la Puerta: Ugolino, Las Sombras, El Dolor, El Beso, El Pensador y La Danaide.
Historia sobre la puerta. 1. Encargo de alto mando La historia de esta obra se remonta a finales de 1880 cuando el gobierno francés encargó a Rodin la elaboración de una puerta que debía estar a la entrada del futuro Museo de Artes Decorativas de París. 2. Sus dimensiones Con un peso de 6.5 toneladas, una altura que rebasa los 6 mts y una composición hecha con más de 180 figuras, La puerta del infierno es la pieza en bronce que recibe al visitante en el Museo Soumaya. Sus bajo relieves representan diversos pasajes de La divina comedia, principalmente los que conforman El infierno. 3. De qué ‘habla’ la obra El recorrido que Dante realiza por el Infierno va del pecado más pequeño hasta el más grave, y eso es justo lo que esta puerta representa. En ella puedes encontrar diversas alegorías de pecados como la soberbia, la avaricia, la lujuria, la cobardía, la envidia e incluso la de los muertos sin bautismo. La puerta entera está realizada con una mezcla de mitología antigua y alegorías de la Divina comedia. Prueba de ello son las pilastras laterales en las que encontrarás representaciones de mujeres desesperadas en poses sugerentes, e incluso a una pareja conformada por una figura femenina y un centauro, representación del gozo y la lujuria. El contexto de las figuras que componen esta puerta está hecho de movimientos que bien podrían ser ríos eufóricos o lava hirviendo, tal como la novela dicta que sería uno de los tantos castigos acordados para los pecadores. También hay vestigios de alas de murciélago que rodean a los personajes, y es que recordemos que así es como Dante visualizó a Lucifer en su obra. 4. Las referencias de Rodin a su legado. Otra característica de esta obra es que contiene referencias imprescindibles dentro de la producción de Rodin. No te sorprendas si en medio de todo el caos representado, encuentras la famosa escena de El beso, las Tres sombras, o El pensador viendo desde lo alto la decadencia de la humanidad. Estatuas.
Ugolino y sus hijos es una escultura en yeso de Auguste Rodin, que forma parte del conjunto conocido como La Puerta del Infierno.
Las tres sombras son una repetición de La sombra, que de acuerdo con Judith Cladel proviene del primer estudio de Adán o La creación del Hombre. Sin embargo, existen varias diferencias entre ambas esculturas: La sombra es menos contorsionada, no hay mucha tensión en la pierna derecha, la posición del cuello es más pronunciada que en Adán, tiene un músculo trapecio más largo y en esta posición la cabeza podría dañar el plexo braquial. Insatisfecho con la primera figura de Adán por su proximidad con el estilo de Miguel Ángel, Rodin la destruyó y realizó una segunda versión que se exhibió en el Salón de París de 1881. En algún momento entre 1881 y 1886, Rodin decidió agrupar La sombra en la cima de La puerta. En esa versión las figuras no tienen la mano derecha, como representación de la impotencia de las almas condenadas al infierno.
El pensador (en francés Le Penseur) es una de las esculturas más famosas de Auguste Rodin. El escultor concibió esta pieza entre 1881 y 1882 para decorar el tímpano del conjunto escultórico La puerta del Infierno, encargado en 1880 por el Ministerio de Instrucción Pública y Bellas Artes de Francia.
El beso es una escultura del artista francés Auguste Rodin (1840-1917) realizada a partir de 1881. Inspirada en el Infierno del poeta italiano Dante Alighieri, fue una de las obras que más contribuyó a la afirmación de Rodin como artista. |
Catedral de Santa María del Fiore.
La basílica catedral metropolitana de Santa Maria del Fiore, o catedral de Santa María de la Flor (en italiano, Cattedrale di Santa Maria del Fiore), es la sede episcopal (en italiano duomo) de la arquidiócesis de Florencia, Italia. Es una de las obras maestras del arte gótico y del primer Renacimiento italiano. Símbolo de la riqueza y del poder de la capital toscana durante los siglos xiii y siglo xiv, la catedral florentina es uno de los edificios más grandes de la cristiandad. Su nombre se refiere al lirio, símbolo de Florencia, o al antiguo nombre del pueblo llamado Fiorenza. Pero, por otra parte, un documento del siglo xv afirma que la «flor» se refiere a Cristo.
Destaca, de forma singular, la grandiosa cúpula, obra de Filippo Brunelleschi, una estructura isostática de 100 m de altura interior; 114,5 m de altura exterior; 45,5 m de diámetro exterior y 41 m de luz (diámetro interior) con la particularidad de que esta cúpula, en sí misma, anula los empujes horizontales para no transmitir al tambor que la sustenta prácticamente más cargas que las verticales correspondientes a su propio peso.
A la cúpula hay que añadir el campanile de Giotto, un campanario independiente trazado por Giotto, de 84,70 m de altura, y el baptisterio de San Juan, con las famosas puertas de bronce de Ghiberti. El conjunto, formado por la iglesia, el campanario y el baptisterio, constituye una de las joyas artísticas y arquitectónicas de Florencia. La basílica se encuentra dentro de la declaración del Centro histórico de Florencia como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO desde 1982.En el año 2015 fue inaugurado por el Papa Francisco el ambón, obra del escultor japonés Etsuro Sotoo, quién es jefe de escultores de Sagrada Familia y que ha realizado 500 esculturas en ese templo. Historia La catedral fue levantada en el espacio que ocupó la antigua iglesia de Santa Reparata, impulsada su construcción por la magnificencia de las nuevas catedrales de Pisa y Siena.
Al final del siglo xiii, la iglesia de Santa Reparata, de nueve centurias, se derrumbaba, como lo atestiguan los documentos. Más aún, resultaba demasiado pequeña en un período de rápido crecimiento de la población. La próspera Florencia quería sobrepasar la grandiosidad de sus rivales toscanos, Pisa y Siena, con una iglesia magnífica, más grandiosa en tamaño y adornada más ricamente en el exterior. Esta catedral, cuando se terminó, resultó ser la más grande de Europa, con una capacidad para 30 000 personas. En la actualidad solo es superada, en tamaño, por la basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano, la catedral de San Pablo en Londres, la catedral de Sevilla y la catedral de Milán.
El miembro más célebre de la familia Mauruzi , originario de Tolentino , huyó de su hogar en 1370 por desavenencias familiares y entró al servicio de varios capitanes de fortuna . De 1406 a 1407 estuvo a sueldo de Cabrino Fondulo , señor de Cremona , y desde este último año estuvo al servicio de Pandolfo III Malatesta , señor de Cesena y Fano . Después de obtener el título de conde con el feudo de Stacciola de Malatesta (desde el 1 de agosto de 1412, título posteriormente confirmado por el Papa Eugenio IV en 1431), estuvo al servicio de varios estados italianos. Señor de Sansepolcro desde 1431 por voluntad papal, perdió el feudo al año siguiente, cuando pasó al servicio de la República de Florencia , de la que fue capitán de los ejércitos desde junio de 1423 hasta mayo de 1434, aunque con algunos intervalos: líder del ejército de la liga pontificia - napolitana en 1424 y capitán del ejército del ducado de Milán de 1428 a 1432. En particular, con los florentinos conquistó Brescia y ganó la batalla de Maclodio (12 de octubre de 1427). Debido a sus éxitos fue nombrado capitán general de los florentinos en 1431 y en junio del año siguiente fue enviado a enfrentarse a Francesco Piccinino , al que venció en la batalla de San Romano , batalla que más tarde se convertiría en el tema de un famoso ciclo de paneles pintados por Paolo Uccello . En 1435 fue capturado por los Visconti y, durante un movimiento hacia Milán , en Bardi fue arrojado intencionalmente a un barranco por ellos. Recogido agonizante por unos transeúntes, fue conducido por éstos a Borgo Val di Taro , donde murió el 20 de marzo a consecuencia de las graves heridas sufridas. Fue enterrado en la Catedral de Santa María del Fiore en Florencia ; sobre su tumba, la municipalidad florentina encargó un fresco conmemorativo a Andrea del Castagno en 1456 .
La nueva iglesia fue diseñada por Arnolfo di Cambio en 1296 para ser el templo católico mayor del mundo (aunque su diseño fue alterado varias veces y más tarde reducido en tamaño). Arnolfo fue también el famoso arquitecto de la basílica de la Santa Cruz y el palazzo Vecchio. Diseñó tres anchas naves que morían bajo la cúpula octogonal, con la nave central cubriendo la superficie de Santa Reparata. La primera piedra fue puesta el 8 de septiembre de 1296 por el cardenal Valeriana, el primer nuncio papal enviado a Florencia. La realización de este vasto proyecto duraría 170 años, así como los esfuerzos colectivos de varias generaciones. Después de la muerte de Arnolfo, en 1302, el trabajo en la catedral se hizo más lento y llegó a suspenderse durante treinta años. La construcción recibió un ímpetu nuevo cuando las reliquias de san Zenobio fueron descubiertas en 1330 en Santa Reparata.
En 1331, el Arte della Lana (Gremio de los mercaderes de la lana) asumió el patronazgo exclusivo para la construcción de la catedral y, en 1334, nombraron a Giotto di Bondone como maestro de obras. Asistido por Andrea Pisano, continuó el diseño de Arnolfo di Cambio. Su triunfo mayor fue la construcción del campanile («campanario»), pero murió en 1337, dejando inacabada la obra. Andrea Pisano continuó con los trabajos hasta que estos tuvieron que abandonarse a causa de la Peste negra en 1348.
En 1355 se reemprenden los trabajos dentro de la catedral, llevados a cabo por una serie de arquitectos, entre los que cabe mencionar a Francesco Talenti, que acabó el campanario y amplió el proyecto con el ábside y las capillas laterales, pero no alteró el exterior. En 1359 le sucedió Giovanni di Lapo Ghini (1360-1369), que dividió la nave central en cuatro crujías cuadradas. Otros arquitectos fueron Alberto Arnoldi, Giovanni d'Ambrogio, Neri di Fioravante y Orcagna. En 1375 la vieja iglesia de Santa Reparata fue demolida. La nave se completó en 1380, quedando sin terminar, en 1418, la cúpula. Las paredes están cubiertas por bandas alternadas en horizontal y vertical con mármoles multicolor: de Carrara (blanco), Prato (verde) y Siena (rojo). Estas bandas de mármol tenían que repetir las decoraciones del baptisterio y del campanario de Giotto.
Hay dos puertas laterales, las Puertas de los Cardenales (sur) y la Puerta de los Mandorla (norte) con esculturas de Nanni di Banco, Donatello y Jacopo della Quercia. Las seis ventanas laterales, notables por su delicado trazado y adornos, están separadas por pilares. Solo las cuatro ventanas más cercanas al transepto dejan pasar la luz; las otras dos son simplemente ornamentales. Las ventanas del triforio son redondas, una característica común en el estilo ítalo-gótico. El pavimento de la iglesia fue cubierto con mármol en el siglo xviii.
El 24 de diciembre de 1966, el papa Pablo VI realizó la misa del Gallo en esta catedral, el motivo, las inundaciones que el 4 de noviembre de ese año destruyeron la ciudad. En una catedral abarrotada que homenajeó a los fallecidos, presidió el recinto una gran flor de lis, símbolo de la ciudad de Florencia. |
| Cúpula. La cúpula (también conocida en su parte exterior como «domo» o «calota») es un elemento arquitectónico que se utiliza para cubrir un espacio de planta circular, cuadrada, poligonal o elíptica, mediante arcos de perfil semicircular, parabólico u ovoidal, rotados respecto de un punto central de simetría.
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El campanario o campanile de Giotto.
Historia. Su fundación remonta al siglo XIII, fecha del comienzo de la construcción de la nueva catedral dirigida por Arnolfo di Cambio. Su posición es inhabitual, alineada con el frente de la iglesia, probablemente debido a la necesidad de liberar la zona posterior para la enorme cúpula prevista en el proyecto de Arnolfo di Cambio. Seguido a la muerte de Arnolfo en 1302, el pintor Giotto di Bondone retoma la construcción en 1334 como maestro albañil y se ocupa primero de la construcción de la base de la torre. Su proyecto global (jamás realizado) de una altura de 110-115 metros, preveía una cima piramidal de aproximadamente 30 metros de altura. Muere en 1337, dejando la obra inconclusa y su nombre a la torre. Andrea Pisano continúa los trabajos, pero muere también durante la epidemia de peste negra en 1348. La torre sería finalizada por Francesco Talenti, quien retoma la construcción en 1349 concluyéndola en 1359. Talenti le daría su forma actual definitiva resolviendo el problema de equilibrio del edificio con pilastras que permitían grandes aberturas. El edificio actual. Con una base cuadrangular de 14,45 metros y una altura de 84,70 metros, está compuesto de los elementos arquitectónicos siguientes, por nivel: Una base decorada: en el primer registro, medallones hexagonales representando la Caída original y la Redención por el trabajo, en el segundo por diamantes, con figuras simbólicas de los planetas, las virtudes, las artes liberales y los sacramentos, El segundo nivel con estatuas de los profetas y las sibilas, los últimos tres niveles con aberturas gemelas, la terraza de la cumbre, accesible por una escalera de 441 escalones, cima que termina con un Falso arco Los cinco niveles están recubiertos de mármoles policromos como los de la catedral y los del Baptisterio de San Juan, estos mármoles son principalmente mármol blanco de Carrara, verde de Prato, rosa de Maremma y rojo de Siena. Los bajo relieves y las esculturas son copias de las cuales sus originales se conservan en el Museo dell'Opera del Duomo. |
El Baptisterio de San Juan.
Se ha supuesto que esta atribución se origina en Dante Alighieri, pero esto no es correcto, fue propuesta por Giovanni Villani en el siglo XIV. Las excavaciones realizadas en el siglo XX, no obstante, han demostrado que había un muro romano del primer siglo atravesando la plaza del Baptisterio. Probablemente fue construido sobre los restos de una torre de guardia romana en una esquina de este muro, u otro edificio romano. De todas formas, se sabe con certeza que un primer baptisterio octogonal fue construido aquí en el siglo IV o V de nuestra era y fue posteriormente reemplazado por otro baptisterio en el siglo VI. Su construcción se le atribuye a Teodolinda, reina de los Lombardos (570-628) para conmemorar la conversión de su marido, el rey Autario. Fue la segunda basílica de la ciudad después de la de San Lorenzo, fuera de las murallas de la ciudad, y precedió a la iglesia de Santa Reparata. Fue inaugurada el 4 de marzo de 897, cuando un enviado del Sacro Imperio Romano Germánico se sentó por primera allí, para impartir justicia. Probablemente, las pilastras de granito fueron tomadas del foro romano en Florencia, donde se encuentra actualmente la Plaza de la República. Durante ese tiempo, el baptisterio se encontraba rodeado por un cementerio con sarcófagos romanos, utilizados como tumbas por importantes familias florentinas, (ahora en el Museo dell'Opera del Duomo). Un nuevo baptisterio octogonal, y mucho más grande, fue construido en estilo románico, alrededor del año 1059, evidencia de un período de expansión económica e importancia política en Florencia. Fue consagrado el 6 de noviembre de 1059 por el papa Nicolás II. Según la leyenda, los mármoles llegaron desde Fiesole, que había sido conquistada por Florencia en 1078. Otros mármoles fueron sacados de antiguas edificaciones. La construcción se finalizó en el año 1128. Una lámpara octogonal fue añadida al techo del pabellón alrededor de 1150. Fue ampliada con un ábside rectangular, en el lado oeste en el año 1202. En las esquinas, bajo el techo, hay unas monstruosas cabezas de león con cabezas humanas bajo sus garras. Son tempranas representaciones de Marzoxxo, el león del heraldo florentino.
Entre los siglos XIV y XVI, se le añadieron tres puertas dobles de bronce, con estatuas de mármol y bronce sobre ellas. Esto da un buen indicio de que el baptisterio, y no la catedral, fue inicialmente el edificio de más alto valor para los florentinos.
Exterior
El baptisterio tiene ocho lados iguales con uno rectangular agregado en el lado oeste. Esta forma octogonal simboliza los "ocho días" (en latín: octava dies). Este es el tiempo para la Resurrección de Cristo, que sobrepasa nuestra semana de siete días. Era considerado un símbolo para la vida eterna dado a través del bautismo, cuando uno pasa de la vida del pecado a la vida de Cristo.
Los lados, originalmente de arenisca, están revestidos en mármol blanco de Carrara modelado geométricamente, poseyendo mármol de Prato verde embutido y modelados con el estilo romano entre los años 1059 y 1128. Las pilastras en cada esquina, originalmente de piedra gris, fueron decoradas con mármol blanco y negro en un diseño de cebra, realizado por Arnolfo di Cambio en 1293. El estilo de esta iglesia serviría como patrón, influenciando a muchos arquitectos, tales como Leone Battista Alberti, en su diseño de iglesias con estilo romano en Toscana. El exterior también se encuentra ornamentado con una cierta cantidad de estatuas de Andrea Sansovino (sobre las Puertas del Paraíso), Giovan Franceso Rustici, Vincenzo Danti (sobre las puertas sur) y otros.
El trabajo de diseño en los lados está dispuesto en grupos de tres, comenzando con tres secciones horizontales diferentes. La sección del medio se caracteriza por tres arcos ocultos en cada lado, cada arco contiene una ventana. Debajo de cada ventana, el arco posee un diseño estilizado. En la parte superior, se encuentran también tres pequeñas ventanas, cada una en el bloque central. El ábside fue originalmente semicircular, pero fue hecho rectangular en 1202. |
| CAPRI La isla de Capri es una isla de Italia localizada en el mar Tirreno, en el lado sur del golfo de Nápoles, frente a la península Sorrentina. Ha sido un lugar de célebre belleza y centro vacacional desde la época de la antigua república romana. Geografía
La isla tiene una superficie de 10,36 km², y un perímetro aproximado de 17 km. El accidente más elevado es el monte Solaro (589 metros). Otros accidentes son: Cappello (515 metros), monte San Michele (262 metros), monte Tiberio (334 metros), monte Tuoro (265 metros). La isla tiene dos municipios: Capri y Anacapri. Las características principales de la isla son retratadas en las postales: la Marina Piccola (puerto pequeño), el Belvedere de Tragara, que es un elevado paseo panorámico sembrado de villas, los macizos calizos que destacan del mar (los "Faraglioni"), Anacapri, la Gruta Azul (Grotta Azzurra). Sobre todo están las ruinas de las villas romanas.
La ciudad de Capri es el principal centro de población de la isla de Capri. Tiene dos puertos contiguos, Marina Piccola y Marina Grande (el puerto principal de la isla).
La comuna separada de Anacapri está ubicada a baja altura sobre las colinas al oeste de la ciudad de Capri.
Villa Jovis ("Villa de Júpiter"; también Villa Iovis) es un palacio romano de Capri, en el sur de Italia, construido por orden del emperador romano Tiberio, quien gobernó desde allí entre los años 27 y 37. Marco
Es la más grande de las doce villas tiberinas de Capri mencionadas por Tácito; el complejo entero ocupa 7.000 m² y se dispone en varias terrazas con una diferencia de elevación de cerca de 40 m. Los restantes ocho niveles de los muros y las escaleras permiten entender la grandeza que la construcción ha tenido en su tiempo y recientes reconstrucciones nos muestran que la villa es un exponente extraordinario de la arquitectura romana del siglo I.
Localización y descripción del palacio. Villa Jovis está situada al noreste de la isla en la cima de "Monte Tiberio"; su elevación de 334 m la hace la segunda cumbre más alta de Capri, después de "Monte Solaro" (589 m de elevación) en Anacapri. El acceso al complejo es solo posible a pie a través de un camino de alrededor de dos kilómetros desde la ciudad de Capri. En el ala norte de la construcción se situaba el sector de la vivienda, en el ala sur el administrativo, el ala este estaba pensada para recepciones, mientras que el oeste presentaba una entrada de muros abiertos (ambulatio) que ofrecía una vista pintoresca hacia Anacapri. Ante la dificultad de llevar el agua a la villa, los ingenieros romanos construyeron un complicado sistema de recolección del agua de lluvia de los tejados y una gran cisterna proveía al palacio de agua fresca. Al sur del edificio principal hay restos de un faro para el rápido intercambio de mensajes con las ciudades del golfo de Nápoles y especialmente con Miseno, base de la flota romana. Tiberio y su vida en Capri  Aparentemente, la razón por la cual Tiberio se trasladó desde Roma a Capri fue el temor a ser asesinado. La villa está situada en un punto de la isla muy retirado y los cuartos de Tiberio al norte y al este de la lujosa villa eran particularmente difíciles de alcanzar y estaban fuertemente protegidos.
Según Las vidas de los doce césares de Suetonio la Villa Jovis era el escenario en el que se producían las salvajes orgías sexuales que organizaba el emperador Tiberio. Sin embargo, es objeto de debate si estos relatos del libertinaje de Tiberio son verídicos o meras calumnias de sus detractores. Los mismos relatos cuentan que el emperador ordenó matar a tres mujeres en una cueva cercana a la villa. |
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Interesante objetos artísticos.
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